PAUL McCARTHY CHEZ XAVIER HUFKENS, BRUXELLES

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Paul McCarthy – « Mixed bag » – Xavier Hufkens Gallery, 6 & 107 rue St-Georges | St-Jorisstraat Brussels – 25 Avril—25 Mai 2019.

Xavier Hufkens présente un ensemble de sculptures, peintures et vidéos de l’artiste américain Paul McCarthy, qui seront exposées dans les deux espaces de la galerie. L’exposition comprend des œuvres de trois des plus importantes installations de performance vidéo de McCarthy au cours des deux dernières décennies: CP (Caraïbes Pirates), WS (White Snow) et CSSC (Coach Stage Stage Coach) / DADDA (Donald And Daisy Duck Adventure).

De Pirates des Caraibes , McCarthy présente de nouvelles versions de trois œuvres fondamentales : Captain Ballsack (2001-2018), Piggies (2006-2018) et Paula Jones (2007-2018). Cet opus tentaculaire, inspiré par la promenade du parc d’attractions Pirates des Caraïbes à Disneyland, a finalement mené à un projet dérivé intitulé Pig Island. Ce dernier est le nom fictif donné à un grand objet jonchant la scène au centre de l’atelier de McCarthy, sur lequel l’artiste assemblerait des sculptures sur le thème des pirates et des cochons (ou de leurs mutations). Conçu dès le départ comme une œuvre d’art, il a été la source principale d’une série d’œuvres dans lesquelles des personnalités politiques, telles que George W. Bush, se livrent à des pratiques sexuelles pervers. Les deux Paula Jones et Piggies sont des produits de cette île, pour ainsi dire, alors que le capitaine Ballsack est une figure emblématique du global CP narratif, et dont les origines remontent au dessin Dunette(2001). Déjà vu à l’état brut ou moulé dans des matériaux tels que la fibre de verre et l’acier inoxydable, McCarthy redynamise ces œuvres essentielles dans une explosion de technicolor sombre. Les finitions peintes lisses et diffuses sont uniques: pulvérisées par l’artiste lui-même et manipulées à la main.

Un groupe de nains pustuleux goutte à goutte de résine, de mousse et de polyuréthane ont émergé de White Snow. Ce sont les sculptures en argile originales à partir desquelles des éditions de bronze ont été coulées. Corrompu et résumé par le processus de fabrication de moules de fonderie, McCarthy pousse les sculptures encore plus loin: « congelant » les figures modelées à la main, pour ainsi dire, dans des couches onctueuses de résine synthétique collante, comblant des pertes ou ajoutant de nouveaux attributs. Les sculptures en argile / résine et les sculptures peintes témoignent toutes de la main de l’artiste: comment McCarthy produit ses œuvres à travers des processus classiques de modélisation et d’assemblage suivis de destruction, de manipulation et de distorsion; ou les transformations effectuées par l’application de résine ou de peinture. Dans le même temps, ils soulignent également le caractère auto-générateur de sa pratique. Ces sculptures sont un travail en cours sans fin: les pièces reviennent constamment et se transforment en nouveaux hybrides,

Les peintures WS à grande échelle de McCarthy , dont deux sont également visibles, associent des techniques de peinture traditionnelles à des matériaux collés (images explicites extraites de magazines pornographiques, une photo en noir et blanc de Walt Disney, par exemple) et des objets en trois dimensions. Dans ces œuvres, McCarthy prend le médium de la peinture comme sujet et l’utilise comme cadre pour ses récits autour de la souillure. Cela se retrouve également dans la palette claire et lumineuse qui se souille à cause des tourbillons de pigments bruns et noirs.

Oval Office(2015-2019) est un assemblage impressionnant qui critique le mythe du Far West et son rôle dans la formation de l’identité nationale des États-Unis. Les chevaux font allusion au travail du sculpteur Frédéric Remington (1861-1909), célèbre pour ses peintures et ses bronzes représentant le vieil ouest américain des cow-boys, des indiens et de la cavalerie américaine; le titre indique que chaque président, depuis des temps immémoriaux, semble avoir placé une de ces œuvres dans le bureau ovale. Les sculptures de Remington sont maintenant une caractéristique omniprésente de la culture américaine et sont souvent vues dans des maisons, des bureaux et des bâtiments publics. Dans cet assemblage, McCarthy juxtapose réalité et réalité: la base est composée de deux plinthes empilées de différentes échelles, comme on le voit généralement dans les reproductions bon marché et les faux exemples du travail de Remington; les chevaux intérieurs sont faits d’argile recouverte de résine (selon une technique similaire aux nains d’argile susmentionnés); les chevaux extérieurs, en revanche, sont des taxidermies en polyuréthane, d’où le manque d’épis, de mânes et de queues. Les vraies selles et sangles renforcent la tension entre réalité et artifice.

L’ouest américain est également le cadre de la composante film de l’exposition, qui comprend deux séquences de 90 minutes tirées des installations de performance vidéo CSSC et DADDA de Paul et Damon McCarthy . Réalisés entre 2014 et 2017, ces projets comporteront un jour de quinze à vingt vidéos de long métrage. Dans les deux films, McCarthy utilise le langage visuel des westerns hollywoodiens et leurs récits archétypaux – le voyage en diligence et le combat dans les salons – pour magnifier et intensifier les pulsions et désirs humains. Les deux CSSC et DADDA décrivent des dystopies hermétiques dépourvues de toute contrainte morale, religieuse et juridique. Dans ces royaumes dissolus, les fondements commercialisables de la culture contemporaine – le sexe et la violence – sont présentés sous leurs formes les plus extrêmes. L’alcool, le lubrifiant social de plus en plus populaire, figure dans les deux scénarios comme alimentant l’inhibition, la perte de contrôle et un comportement lascif. Les films sont accompagnés d’une série d’œuvres photographiques connexes.

L’artiste américain Paul McCarthy est connu pour son œuvre multiple, souvent provocante et troublante, faisant appel aussi bien à la performance, la photographie, le film, les installations multimédia, qu’à la sculpture, au dessin ou à la peinture. Indisciplinée, polémique, sexuellement explicite et politiquement chargée, la production de McCarthy vise le consumérisme, la culture populaire et nos peurs et névroses les plus profondes, telles que le sexe, les fluides corporels et les orifices humains.

Alors qu’il se saisit régulièrement d’icônes de la culture populaire et de l’enfance, notamment des gnomes, du Père Noël, de Barbie, de Blanche-Neige et de Heidi, McCarthy montre inévitablement ses personnages comme violents, méchants et dépravés. Ses images, qui peuvent être à la fois explicites et brutales, sont souvent choquantes et il adore la surcharge sensorielle, produisant souvent un travail difficile à regarder, délibérément destiné à susciter des sentiments de malaise et de dégoût.

Au cours de ses cinq décennies de carrière, McCarthy a été reconnu comme l’un des plus grands chroniqueurs et transgresseurs des normes sociales et des tabous contemporains. Ridiculisant impitoyablement l’autorité et les soi-disant règles de la société polie, son œuvre anarchique mêle culture savante et culture populaire et suscite une remise à plat de nos croyances les plus fondamentales et les plus sacro-saintes.

Paul McCarthy (né en 1945 à Salt Lake City) vit et travaille à Los Angeles, en Californie. Nombreuses xpositions personnelles dont M Woods, Beijing (2018); Fundació Gaspar, Barcelone (2017); Kulturzentrum Lokremise, Saint-Gall (2016); The Renaissance Society, Chicago (2015); Monnaie de Paris, France (2014); Neue Nationalgalerie, Berlin (2012); Whitney Museum, New York (2008); SMAK, Gand (2007); Moderna Museet, Stockholm (2006); et Haus der Kunst, Munich (2005). Il a également participé à de nombreux événements internationaux, dont la Biennale de Berlin (2006); la Biennale de Whitney (1995, 1997 et 2004); et la Biennale de Venise (1993, 1999, 2001).

Xavier Hufkens presents an ensemble of sculptures, paintings and video work by the American artist Paul McCarthy, which will be displayed across both gallery spaces. The exhibition comprises works from three of McCarthy’s most important video performance installations of the last two decades: CP (Caribbean Pirates), WS (White Snow) and CSSC (Coach Stage Stage Coach) / DADDA (Donald And Daisy Duck Adventure).

From Caribbean Pirates, McCarthy presents new iterations of three seminal works: Captain Ballsack (2001–2018), Piggies (2006–2018) and Paula Jones (2007–2018). This sprawling opus, which was inspired by the Pirates of the Caribbean amusement park ride at Disneyland, ultimately led to a spin-off project entitled Pig Island. The latter is the fictitious name given to a large object strewn stage in the middle of McCarthy’s studio, upon which the artist would assemble sculptures on the themes of pirates and pigs (or mutations thereof). Conceived as an artwork from the outset, it functioned as the wellspring for a series of works in which political figures, such as George W. Bush, engage in perverse sexual practices. Both Paula Jones and Piggies are products of this island, so to speak, whereas Captain Ballsack is an iconic figure from the overarching CP narrative, and whose origins can be traced back to the drawing Poop Deck (2001). Previously seen in their raw original states or cast into materials such as fibreglass and stainless steel, McCarthy reinvigorates these pivotal works in a blast of lurid technicolour. The smooth and diffuse painted finishes are unique: sprayed by the artist himself and manipulated by hand.

A group of pustular dwarves that drip with resin, foam and polyurethane have emerged from White Snow. These are the original clay sculptures from which bronze editions were cast. Corrupted and abstracted by the foundry mould-making process, McCarthy pushes the sculptures yet further: ‘freezing’ the hand-modelled figures, so to speak, in unctuous layers of sticky, synthetic resin, filling in losses or adding new accoutrements. The clay/resin and painted sculptures all bear witness to the hand of the artist: how McCarthy coaxes his works into being through classical processes of modelling and assemblage followed by destruction, manipulation and distortion; or the transformations effected through the application of resin or paint. At the same time, they also emphasise the self-generating nature of his practice. These sculptures are a never-ending work-in-progress: pieces constantly return and morph into new hybrids, spin-offs and alternative formats.

McCarthy’s large-scale WS paintings, two of which are also on view, combine traditional painting techniques with collaged materials (explicit images cut from porn magazines, a black-and-white photograph of Walt Disney, for example) and three-dimensional objects. In these works, McCarthy takes the medium of painting as a subject and uses it as a framework for his narratives around defilement. This also plays out in the bright and clear palette that becomes sullied through the swirls of brown and black pigments.

Oval Office (2015–2019) is a towering assemblage that critiques the myth of the Wild West and its role in the shaping of America’s national identity. The horses allude to the work of sculptor Frederic Remington (1861-1909), who is famous for his paintings and bronzes representing the old American west of cowboys, Indians and the U.S. Cavalry; the title points to the fact that every President, since time immemorial, seems to have placed one of these works in the Oval Office. Remington’s sculptures are now an ubiquitous feature of American life and often seen in homes, offices and public buildings. In this assemblage, McCarthy juxtaposes fact with fiction: the base is comprised of two stacked plinths of differing scales, as typically seen in cheap reproductions and faked examples of Remington’s work; the inner horses are made of resin-covered clay (using a technique similar to the aforementioned clay dwarfs); the outer horses, on the other hand, are polyurethane taxidermy forms, hence the lack of ears, manes and tails. Real saddles and straps reinforce the tension between reality and artifice.

The American West is also the setting for the film component of the exhibition, which comprises two 90-minute sequences from Paul and Damon McCarthy’s CSSC and DADDA video performance installations. Made between 2014 and 2017, these projects will one day comprise some fifteen to twenty feature-length videos. In both films, McCarthy uses the visual language of Hollywood Westerns and their archetypal narratives — the stagecoach journey and the saloon fight — to magnify and intensify base human drives and desires. Both CSSC and DADDA depict hermetic dystopias that are devoid of all moral, religious and legal constraints. Within these dissolute realms, the marketable bedrocks of contemporary culture — sex and violence — are shown in their most extreme forms. Alcohol, the ever-popular social lubricant, features heavily in both scenarios as fuelling inhibition, loss of control and lascivious behaviour. Accompanying the films is a related series of photographic works.

American artist Paul McCarthy is known for his wide-ranging and often provocative and disturbing oeuvre, which encompasses performance, photography, film, multimedia installations, sculpture, drawing and painting. Messy, antagonistic, sexually explicit and politically charged, McCarthy’s output takes aim at consumerism, popular culture and our innermost fears and neuroses, such as sex, bodily fluids and human orifices. While he regularly appropriates icons of popular culture and childhood, including gnomes, Santa Claus, Barbie, Snow White and Heidi in his work, McCarthy inevitably recasts his characters as violent, malicious and depraved. His imagery, which can be both explicit and brutal, is often shocking, and he delights in sensory overload, frequently producing work that is either difficult to watch, or is deliberately intended to elicit feelings of discomfort and disgust. In a career spanning some five decades, McCarthy has come to be recognised as one of the greatest chroniclers, and transgressors, of contemporary social norms and taboos. Mercilessly ridiculing authority and the so-called rules of polite society, his anarchic oeuvre mixes both high and low culture, and provokes an analysis of our most fundamental and sacrosanct beliefs.

Paul McCarthy (b. 1945, Salt Lake City) lives and works in Los Angeles. Solo exhibitions were held at M Woods, Beijing (2018); Fundació Gaspar, Barcelona (2017); Kulturzentrum Lokremise, St.Gallen (2016); The Renaissance Society, Chicago (2015); Monnaie de Paris, France (2014); Neue Nationalgalerie, Berlin (2012); Whitney Museum, New York (2008); SMAK, Ghent (2007); Moderna Museet, Stockholm (2006); and Haus der Kunst, Munich (2005). He participated in many international events, including the Berlin Biennial (2006); the Whitney Biennial (1995, 1997, 2004); and the Venice Biennale (1993, 1999, 2001).

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Images:
Paul McCarthy
SC, Luncheon on the Grass (Déjeuner sur l’herbe), 2014
Acrylic paint, collage and soft toys on panel with gessoed canvas
243,8 x 335,3 x 4,5 cm | 96 x 132 x 1 3⁄4 inches
Paul McCarthy
CSSC Luncheon on the Grass, 2015–2018
Styrofoam, light, wood, artificial plants, sculpy, paint
163,8 x 119,4 x 119,4 cm | 64 3⁄8 x 47 x 47 inche
Paul McCarthy
Piggies, 2007
Middelheim Sculpture Museum, Antwerp
installation view
copyright the artist

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