BIENNALE DE VENISE : 13e FESTIVAL DE DANSE SOUS LA DIRECTION DE MARIE CHOUINARD

BIENNALE DE VENISE – 13e Festival international de danse contemporaine, dirigé par Marie Chouinard – Du 21 au 30 juin 2019, Venezia.

Le 13e Festival international de danse contemporaine, dirigé par Marie Chouinard, se déroulera du 21 au 30 juin 2019 et présentera plusieurs événements quotidiens. Cette année encore, la Biennale College – Dance a programmé ses activités: trois projets spécifiques (le projet des danseurs, le projet des chorégraphes et une sélection de danseurs professionnels), inclus dans le programme du Festival.

Le département danse est dirigé par Marie Chouinard (Québec, Canada, 1955), danseuse et chorégraphe qui utilise un glossaire à la fois primitif et très raffiné et considère la danse comme un art sacré à pratiquer avec une rigueur absolue. Chouinard a poursuivi pendant plus de dix ans une carrière solo d’avant-garde avant de fonder son propre groupe, la Compagnie Marie Chouinard, en 1990.

Avec 29 représentations de 22 chorégraphes et compagnies du monde entier, le 13e Festival international de danse contemporaine propose un programme étoffé, faisant la part belle à de jeunes créateurs.

Le festival présentera 5 premières mondiales, 9 premières italiennes et 8 créations originales pour le théâtre en plein air au cœur de la ville; une série de rencontres avec les artistes ; et un cycle de films : le tout dans les espaces de l’Arsenale –Teatro alle Tese, Teatro Piccolo Arsenale, Sale d’Armi et Giardino Marceglia–, ainsi que du Teatro Malibran et de Via Garibaldi.

Les Lions : les artistes qui partagent des stratégies de composition originale et une approche multidisciplinaire pour la danse, les champions d’une conception plus large et « perméable » de cette discipline, ouvriront le festival le 21 Juin :

Alessandro Sciarroni, le Lion d’or pour l’ensemble de ses réalisations, est un artiste à la carrière «mixte» dans les domaines de l’art, du théâtre et de la chorégraphie. Il présente à Venise Your Girl, spectacle-révélation, et Augusto, dans lequel l’unique pratique physique et vocale des interprètes prennent part. Steven Michel – qui a étudié le mime, la danse, les percussions – et Théo Mercier – formés aux arts visuels et à la direction – sont les Silver Lions 2019, leur oeuvre est à la croisée des chemins entre art et chorégraphie, fruit de processus de construction similaires mais utilisant des medium différents, comme dans ce solo qui utilise l’humour pour disséquer la standardisation de nos modes de vie, dont le modèle iconique sont les meubles Ikea.

De la même façon, les oeuvres de l‘écrivain australien, metteur en scène, interprète et designer Nicola Gunn et Un Poyo Rojo par l’incroyable duo argentin Nicolá Poggi et Luciano Rosso coexistent au sein du Festival tout en explorant des pistes différentes, voire opposées. Gagnant de nombreuses récompenses en Australie, le premier propose une «digression philosophique en mouvement» qui comprend des gags, des anecdotes, des questions et un aperçu du dilemme moral le plus essentiel et le plus ambigu – la différence entre le bien et le mal – déclenché par un «incident», entre un homme et une femme et un canard ; tandis que le second, qui a fait le tour du monde et joué pendant un mois au Fringe Festival d’Édimbourg, est un pur «théâtre physique», une action dramatique avec deux hommes et une radio qui s’affrontent, se défient, se séduisent avec humour, dans un mélange exaltant de danse, de sport et d’érotisme.

La relation entre l’artiste et le spectateur, un thème central de la danse contemporaine aujourd’hui, est abordée en toute connaissance de cause dans plusieurs productions invitées au Festival qui bouleversent nos habitudes de perception. C’est le cas de Blink, de la chorégraphe brésilienne Michelle Moura, défini comme «un pas de deux métaphysique », une pièce chorégraphique hypnotique dans laquelle l’instrument de composition est notre réponse réflexe des cils : lorsque cette réponse est interrompue, elle provoque des mutations psycho-physiques et des transformations infinies imperceptibles. Où Habiter, où la composition visuelle de la chorégraphe canadienne Katia-Marie Germain, lauréat du Prix de la Danse de Montréal dans la section «découvertes», s’appuie sur un jeu d’illusions pour composer un tableau qui se dévoile petit à petit sous nos yeux, sous la forme d’une succession d’images fixes : sur la scène, deux femmes, une table dressée pour le petit-déjeuner et une source lumineuse unique utilisée comme un peintre utilise le clair-obscur.

Le travail de Simona Bertozzi, qui a longtemps dansé avec Virgilio Sieni avant de se lancer dans sa propre carrière et a été invitée au Festival avec Ilinx – Don’t stop the Dance cherche à rendre l’invisible visible alors qu’elle travaille sur les articulations, les muscles, les organes et les cellules. Cette nouvelle pièce, qui prolonge et redéfinit la production de 2008, propose «de nouvelles réflexions sur la solitude de l’artiste et son univers théâtral», inspirées d’une des catégories de pièces de Roger Caillois.

La «pratique de la performance relationnelle» est la base spécifique de l’expérimentation du chorégraphe australien Luke George, compositeur avec Daniel Kok de Bunny, un spectacle transgressif et joyeux qui joue des cordes et des nœuds – inspiré de la tradition du shibari et de la mer – pour déraciner le conventions de la société et du théâtre et question des relations consensuelles, de la confiance, des attentes et de la complicité entre artistes et spectateurs. Un thème qui est également abordé dans Prévisions, par Giuseppe Chico et Barbara Matijević, sur scène avec un ordinateur portable, recherchent de nouvelles formes de narration qui explorent l’influence du web sur le geste de l’artiste et sur nos sens. La sphère virtuelle transforme ce qui sous-tend chaque performance : l’acteur devant son public.

L’ouverture de nouveaux horizons pour le mouvement, est présente avec la chorégraphe autrichienne Doris Uhlich qui travaille avec des artistes handicapés pour libérer leur potentiel physique et expressif, avec des fauteuils roulants, des béquilles et des prothèses qui deviennent des outils chorégraphiques. « Chaque être humain est unique et spécial », explique Uhlich, qui considère la danse comme « nourriture pour le corps » et le mouvement « une sorte de carburant intérieur », de sorte que « l’énergie d’un mouvement est plus important que sa forme ».

L’intrication délicate de la musique et la danse, inspirée par le mouvement des marées, se retrouvent dans la pièce de la chorégraphe Bára Sigfúsdóttir et du compositeur norvégien et trompettiste Eivind Lønning, l’un des plus grands noms de la scène musicale d’Europe du Nord.

La musique joue un rôle important dans les productions de trois des plus grandes stars de la scène contemporaine: Sasha Waltz, Daniel Léveillé et William Forsythe .

Les Impromptus de Schubert, sorte de journal intime confié à la voix solo du piano, inspire la production Impromptus datée de 2004, un classique de Sasha Waltz, auteur à l’imagerie chorégraphique extrêmement personnelle, dont la danse est capable d’éclairer la structure classique de la musique, pour la révéler sous un jour nouveau.

Dans Quatuor Tristesse de Daniel Léveillé, les accents lyriques des partitions baroques contrastent avec l’absence d’émotion chez les danseurs, que la chorégraphe canadienne transforme en groupes plastiques dans lesquels la nudité austère, l’économie du mouvement, la répétition obsessionnelle est à la recherche de la « pureté » originelle.

William Forsythe, artiste qui ne cesse d’expérimenter, présente au public une soirée tranquille de danse dans le fil qui relie la géométrie du ballet académique et les formes du hip-hop, entre les nouvelles créations et celles existantes, interprétées par 7 de ses collaborateurs les plus dignes de confiance avec en sus Rauf «Rubberlegz» Yasit, interprète de breakdance.

Vingt-quatre ans, née à Naples et formée en Europe, Maria Chiara de Nobili est issue de la pépinière de jeunes chorégraphes de la Biennale College, initiative avec laquelle la Biennale di Venezia encourage les jeunes talents en leur offrant la possibilité de travailler en contact avec la maîtrise mise en place pour développer de nouvelles créations. Ses débuts sur la scène du Festival 2018 sont maintenant confirmés par le travail d’une soirée que la Biennale a commandé pour l’année 2019. Le résultat est Wrap, dans lequel la jeune auteure poursuit ses recherches sous la forme d’un solo et d’un duo, imaginant une chorégraphie basée sur une séquence d’images, comme les tesselles d’une mosaïque ou les pièces d’un puzzle…

Plus d’infos sur : https://www.labiennale.org/en/dance/2019

Images: 1- Marie Chouinard / 2- « Ilinx de Simona Bertozzi – Photos DR

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