ROBERT IRWIN, « UNLIGHTS », PACE NEW YORK

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Robert Irwin – « Unlights » – Pace gallery, 540 West 25th Street, New York – january 17, 2020 – february 22, 2020. Opening jan. 16, 2020 6pm-8pm.

En revenant à l’utilisation de la seule lumière ambiante, les nouvelles sculptures de Robert Irwin incarnent l’aboutissement de sept décennies d’expérimentation rigoureuse.

Le travail de Robert Irwin a continuellement repoussé les limites de ce que l’art peut être. « Unlights » rassemble huit nouvelles œuvres sculpturales qui renvoient à ses expériences innovantes des années 1960 tout en développant une enquête influente et permanente sur les conditions fondamentales de la perception humaine: ce que Irwin a appelé le « champ apparemment texturé à l’infini de notre présence dans le monde. »

Les nouvelles œuvres d’Irwin sont composées de lampes fluorescentes non éclairées de six pieds montées sur des luminaires et installées en rangées verticales directement sur le mur. Les tubes en verre sont recouverts de couches de gels translucides de couleur opulente et de fines bandes de ruban électrique, permettant aux surfaces réfléchissantes du verre non éclairé et de l’aluminium anodisé d’interagir avec l’éclairage ambiant dans l’espace environnant et de produire des motifs changeants d’ombre et de tonalité chromatique. Reflétant son récent virage vers les possibilités perceptuelles des ampoules éteintes, le nouveau travail d’Irwin élargit l’éventail des possibilités de vivre des sensations de rythme, de pulsation, d’expansion et d’intensité, tout en poursuivant l’intérêt de longue date de l’artiste pour enregistrer l’immédiateté de notre propre présence dans l’espace.

S’étendant de ses peintures de disques révolutionnaires de la fin des années 1960, les nouvelles œuvres d’Irwin dissolvent efficacement la frontière perçue entre l’objet et l’environnement, concentrant la conscience du spectateur sur l’acte de perception. Chaque luminaire dans les sculptures d’Irwin contient une ou deux ampoules éteintes – ou aucune ampoule du tout – tandis que les espaces alternés du mur «vide» sont peints dans des nuances subtiles de gris, produisant un sentiment d’incertitude sur ce qui est tactile et ce qui est simplement optique. Alors que les intervalles ombragés, peints et réfléchis de l’espace se répercutent dans le champ visuel du spectateur, le mur lui-même entre dans la composition, déstabilisant tout sens de la figure et du sol. Rencontrer les sculptures d’Irwin, c’est donc se laisser prendre dans une oscillation incessante entre planéité et volume, transparence et opacité, solidité et atmosphère.

Il ne s’agit pas de réponses. C’est la recherche constante des possibilités de ce qu’est l’art.

Dans l’art d’Irwin, l’objet fonctionne comme une sorte de partition pour orchestrer «le développement et l’extension continus du potentiel humain à percevoir le monde». Bien qu’éteintes, les ampoules de ces nouvelles sculptures ne sont donc jamais «éteintes». Leurs surfaces optiquement riches servir de lieux énergétiques pour augmenter les possibilités sensorielles du corps humain. Dans leur complexité chromatique, les œuvres véhiculent une qualité presque picturale, rappelant les origines d’Irwin en tant que peintre expressionniste abstrait de deuxième génération dans les années 1950. Proposant une composition rythmique et minimale d’éléments linéaires répétés, les œuvres évoquent également ses peintures en ligne innovantes du début des années 1960, qui nous impliquent physiquement et perceptuellement dans une expérience de vision ouverte, immersive et transitoire.

Largement reconnu comme une figure pivot de l’art contemporain, Irwin est étroitement associé au mouvement Light and Space qui a émergé à Los Angeles dans les années 1960, et il a continué à vivre et à travailler en Californie du Sud pendant toute sa carrière. Il a d’abord utilisé des lampes fluorescentes comme substrats pour produire ce qu’il a appelé un «art conditionnel» dans les années 1970, souvent en combinaison avec des canevas architecturaux et d’autres interventions spatiales. Dans les années 1990, il a introduit des gels colorés dans les tubes fluorescents pour modifier le chromaticisme de la lumière et, au cours de la dernière décennie, a commencé à isoler les ampoules et les luminaires en tant qu’objets sculpturaux à part entière. En revenant à l’utilisation de la lumière uniquement ambiante, les nouvelles sculptures d’Irwin incarnent l’aboutissement de sept décennies d’expérimentation rigoureuse.

«Tout dans le monde est finalement conditionnel», a observé Irwin. «Il n’y a rien qui soit transcendé ou infini ou comment vous voulez l’appeler. Tout agit dans un ensemble de conditions. »Comme toutes les œuvres d’Irwin, ses nouvelles sculptures répondent différemment aux conditions de chaque environnement spécifique dans lequel elles sont installées, accordant nos sens à un contexte donné et permettant une expérience intuitive et incidente de voir qui résiste à l’explication rationnelle ou conceptuelle. « Il ne s’agit pas de réponses », a un jour remarqué l’artiste, mais plutôt de l’acte de questionner: « C’est la recherche constante des possibilités de ce qu’est l’art. »

In returning to the use of solely ambient light, Robert Irwin’s new sculptures embody the culmination of seven decades of rigorous experimentation.

Robert Irwin’s work has continually reshaped the boundaries of what art can be. Unlights brings together eight new sculptural works that harken back to his innovative experiments of the 1960s while further expanding an influential, lifelong inquiry into the fundamental conditions of human perception: what Irwin has called the “seemingly infinitely textured field of our presence in the world.”

Irwin’s new works are composed from unlit six-foot fluorescent lights mounted to fixtures and installed in vertical rows directly on the wall. The glass tubes are covered in layers of opulently colored translucent gels and thin strips of electrical tape, allowing the reflective surfaces of unlit glass and anodized aluminum to interact with ambient illumination in the surrounding space and produce shifting patterns of shadow and chromatic tonality. Reflecting his recent turn toward the perceptual possibilities of unlit bulbs, Irwin’s new body of work expands the range of possibilities for how we experience sensations of rhythm, pulsation, expansion and intensity, while continuing the artist’s long-standing interest in registering the immediacy of our own presence in space.

Expanding from his breakthrough disc paintings of the late 1960s, Irwin’s new works effectively dissolve the perceived border between object and environment, focusing the viewer’s consciousness on the act of perception. Each light fixture in Irwin’s sculptures contains one or two unlit bulbs—or no bulb at all—while alternating gaps of “empty” wall are painted in subtle shades of gray, producing a sense of uncertainty about what is tactile and what is merely optical. As the shadowed, painted and reflected intervals of space reverberate in the viewer’s visual field, the wall itself enters the composition, destabilizing any sense of figure and ground. To encounter Irwin’s sculptures is thus to allow oneself to be caught in a ceaseless oscillation between flatness and volume, transparency and opacity, solidity and atmosphere.

« It’s not about answers. It’s the constant pursuit of the possibilities of what art is. » Robert Irwin

In Irwin’s art, the object functions as a kind of score for orchestrating “the continual development and extension of humans’ potential to perceive the world.” Although unlit, the bulbs in these new sculptures are therefore never “off.” Their optically rich surfaces serve as energetic loci for heightening the sensory possibilities of the human body. In their chromatic complexity, the works convey an almost painterly quality, recalling Irwin’s origins as a second-generation Abstract Expressionist painter in the 1950s. Suggesting a rhythmic, minimal composition of repeated linear elements, the works also evoke his innovative line paintings of the early 1960s, which involve us physically and perceptually in an open-ended, immersive and transitory experience of seeing.

Widely recognized as a pivotal figure in contemporary art, Irwin is closely associated with the Light and Space movement that emerged in Los Angeles in the 1960s, and he has continued to live and work in Southern California for his entire career. He first used fluorescent lights as substrates for producing what he has called a “conditional art” in the 1970s, often in combination with architectural scrims and other spatial interventions. In the 1990s he introduced colored gels to the fluorescent tubes to alter the chromaticism of the light, and, over the past decade, began isolating the bulbs and fixtures as sculptural objects in their own right. In returning to the use of solely ambient light, Irwin’s new sculptures embody the culmination of seven decades of rigorous experimentation.

“Everything in the world is ultimately conditional,” Irwin has observed. “There is nothing that’s transcended or infinite or whatever you want to call it. Everything acts within a set of conditions.” Like all of Irwin’s works, his new sculptures respond differently to the conditions of each specific environment in which they are installed, attuning our senses to a given context and making possible an intuitive and incidental experience of seeing that resists rational or conceptual explanation. “It’s not about answers,” the artist once remarked, but rather about the act of questioning: “It’s the constant pursuit of the possibilities of what art is.”

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Images: 1- Robert Irwin, Eight Skate & Donate (détail), 2018, Shadow + Reflection + Color, 72 « × 101-1 / 4 » × 4-1 / 4 « (182,9 cm × 257,2 cm × 10,8 cm) © Robert Irwin 2- Robert Irwin, Kilts (détail) , 2018, Shadow + Reflection + Color, 72 « × 103-1 / 4 » × 4-1 / 4 « (182,9 cm × 262,3 cm × 10,8 cm) © Robert Irwin

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