INFERNO

by Timothée Chaillou

INTERVIEW LILY VAN DER STOKKER – Male Art Exhibition, Great Show! – Kaufmann Repetto Gallery New York – 29 May, 2026 – 28 August, 2026.

Depuis plus de trente-cinq ans, Lily van der Stokker voit son travail enfermé dans une catégorie dont elle n’a jamais vraiment voulu : le girly art. Fleurs, couleurs pastel, boucles, mots manuscrits et formes décoratives ont souvent été associés à une supposée légèreté féminine, comme si le « féminin » devait nécessairement être particulier, tandis que l’art produit par des hommes pouvait continuer à se présenter comme simplement de « l’art ». Avec Male Art Exhibition, Great Show!, l’artiste retourne cette logique comme un gant : si son travail peut être qualifié de girly, alors pourquoi ne pas parler d’un art boyish, masculin, voire franchement macho ? Son geste n’est  ni celui d’un règlement de comptes ni celui d’une nouvelle guerre des sexes. Van der Stokker entreprend plutôt de nommer ce qui, jusqu’ici, prétendait ne pas avoir de genre. Son féminisme ne vise donc pas à remplacer une domination par une autre, mais à imaginer ce qu’elle appelle un soulagement collectif à l’égard de la domination patriarcale. L’humour devient ici une méthode critique : non pas adoucir le propos, mais le rendre plus difficile à esquiver. C’est cette manière de déplacer les catégories, de rendre visible ce qui se prétendait neutre et de transformer le cliché en matériau critique qui traverse l’entretien qui suit.

Inferno : Depuis plus de trente-cinq ans, votre oeuvre est souvent qualifié de « girly art ». Vous avez dit que vous vouliez désormais renverser cela : l’art fait par des hommes peut aussi être vu comme boyish, masculin, voire ouvertement macho. Vous avez également dit que vous vouliez faire des hommes un groupe, comme vous-même avez si souvent été rangée sous l’étiquette d’« art des femmes ». On dirait que c’est une idée que vous aviez depuis un moment qui n’a trouvé sa forme complète que maintenant. Pourriez-vous parler de ses origines, et de la manière dont elle s’est développée jusqu’à cette exposition ?

Lily Van Der Stokker : Ça paraît tellement logique, maintenant : si mon travail a été étiqueté féminin et girly, alors il doit bien exister un art boyish et masculin. Mon idée, c’est de l’encadrer, de l’étiqueter, de le nommer. En 2023, j’ai participé à une exposition sur l’art cute au Stedelijk Museum de Schiedam, aux Pays-Bas, intitulée « I hit you with a Flower ». Dans les articles de presse, Pipilotti Rist, Kinke Kooi et moi étions appelées les pionnières du girly art. Je n’étais pas très contente de ça, parce qu’en trente-cinq ans je sais que cette étiquette n’a jamais été un compliment, et je présume, hélas, qu’elle ne deviendra jamais un nom dont on soit fière. Je sais que tout ce qui est girly, bouclé, fleuri, décoratif, sucré, est encore regardé comme immature et superficiel. Et à mon avis, c’est encore un tabou — pas pour moi, mais pour vous, le spectateur. Ces dernières années, je n’ai cessé d’être invitée à des expositions sur les questions féminines, alors c’était une raison de plus pour me tourner vers les artistes masculins, parce qu’ils ont l’air tellement inquiets d’être exclus. Mais le sont-ils, vraiment ?

Avec cette exposition, vous rappelez aussi combien d’expositions exclusivement masculines ont été, historiquement, présentées comme simplement neutres, universelles, ou comme de « l’art » sans qualificatif. Les hommes faisaient ce qu’on tenait pour du « vrai art », tandis que le travail des femmes était marqué comme particulier ou genré. Dans « Another Male Exhibition (opens at Kaufmann Repetto…) », abordez-vous à la fois l’impunité des expositions exclusivement masculines d’autrefois et la fiction de leur neutralité ?

La prétendue neutralité de l’art masculin n’a pas été tellement discutée, mais toutes ces expositions à dominante masculine, on en a vu tant, et tous ces mouvements artistiques créés par des hommes, qui ont façonné notre histoire de l’art, n’ont jamais été interrogés sur leur éventuel tempérament masculin. Pensez à l’art conceptuel, au minimalisme, au cubisme, à l’expressionnisme abstrait, à la peinture Hard Edge, à la Mulheimer Freiheit, à l’Art Brut, etc. Alors, j’ai retourné la chose, et j’ai fait un dessin sur une exposition exclusivement masculine visible cet été à la galerie Zwirner, montrant des gars bien connus : Dan Flavin, Donald Judd, John McCracken, Robert Ryman, Fred Sandback. J’aime sérieusement TOUS ces artistes. Et j’ai décrit leur travail dans le dessin comme : … sublime, divin, minimalisme… puis j’ai continué, dans le dessin, en les décrivant comme : … « cute »… Parce qu’ils sont cute, non, ces artistes tant admirés ? Pour moi, je voulais créer un sentiment de soulagement, et m’écarter de cet art typique du génie divin. Regardez comme les hommes s’excitent à être importants et puissants, à être des leaders dans le monde, à faire la guerre, à jouer au foot — je trouve ça cute aussi.

Aujourd’hui, les institutions insistent souvent sur le fait qu’il s’agit de regarder la qualité plutôt que le genre. Mais cet argument a aussi longtemps servi à disqualifier l’inégalité structurelle, comme si la « qualité » avait jamais été jugée depuis une position neutre. Aujourd’hui, les institutions présentent souvent une programmation soucieuse du genre comme un correctif, mais aussi parfois comme une nouvelle orthodoxie. Voyez-vous l’accent actuel mis sur l’inclusion comme une véritable transformation structurelle, ou aussi comme un langage institutionnel temporaire — un langage qui risque de devenir formulaire avant que l’égalité n’ait été réellement atteinte ? Cela me fait aussi penser aux expositions consacrées aux scènes artistiques non occidentales, où les artistes sont encore souvent présentés comme des découvertes ou comme des cas culturellement spécifiques plutôt que comme de simples artistes. Les catégories créent certes de la lisibilité, mais elles limitent aussi l’expérience esthétique…

Les nouveaux mouvements de l’art à notre époque, ces dernières décennies, sont le féminisme et, plus récemment, l’inclusion. Ce qui vient en premier, c’est la différence, l’altérité et le changement. Puis une nouvelle expérience esthétique va lentement se développer, ou n’arrive qu’après l’acceptation de ces nouveaux groupes d’artistes avec leurs approches différentes et leurs visions nouvelles. Je pense qu’après #MeToo, les choses ont changé dans le monde. Je pense sérieusement que nous ne verrons plus apparaître un autre mouvement dominant de peinture masculine, comme nous en avions tellement l’habitude. « La peinture moderniste par les hommes s’est arrêtée ? », dit l’une de mes peintures textes en noir et blanc dans la Male Art Show. L’attention récente portée aux minorités et au genre a changé ma façon de voir les choses. Je regarde tout l’art maintenant avec mes nouveaux yeux genrés, et je ne peux plus ressentir la même chose à propos de mes héros masculins du passé. J’ai donc fait une autre peinture texte : « Mes héros (masculins), étaient-ils vraiment si importants ? ». Et l’étaient-ils ?

Vous avez également dit que vous aimeriez à l’avenir pousser la chose encore plus loin avec des textes plus durs. Pourquoi n’est-ce pas encore le bon moment ? Aimeriez-vous devenir encore plus ironique — voire cynique, au sens le plus noble du terme ?

Avec cette exposition, j’essayais de ne pas attaquer, de ne pas être amère ou rancunière. Le mot « relief » était mon guide, le soulagement pour les hommes et les femmes de la domination patriarcale, et regarder tout ça d’une humeur plus légère. En travaillant à l’exposition, il m’a semblé que j’aurais pu être plus agressive. Bien que je doute que ça aurait fonctionné. L’humour est généralement un bon outil pour faire passer un sujet difficile. Aussi, ce que j’ai remarqué dans toutes les discussions qui ont précédé l’exposition, c’est que les hommes pensent en général que les féministes sont contre les hommes, ce qui n’est pas vrai, en tout cas pas pour moi. Alors j’ai voulu que ce soit clair dans l’exposition. J’aime vraiment (la plupart) des artistes machos de mon Machismo Top Ten, ou Jason Rhoades avec son art macho de la voiture, mais je l’étiquette comme étant masculin. La plupart de mes amis artistes sont des hommes, et ils se décrivent eux-mêmes souvent comme des masculinistes-féministes, très conscients, et m’aidant à faire mon exposition. J’ai constamment discuté avec eux de ce que je faisais et écrivais.

Pour ‘Coming up: White male artists over 60 Exhibition’ à StokkerJaeger vous avez eu des conversations avec les artistes exposés qui étaient devenues de façon inattendue émotionnelle, en particulier autour de l’exclusion récente des artistes masculins.

L’an dernier, j’ai eu l’idée de faire une exposition masculine dans mon nouvel espace de projet StokkerJaeger à Amsterdam. C’était avant que je ne décide de concevoir la Male Art Show à New York. Un après-midi où j’étais assise dans ma galerie/project space, un artiste est entré, m’a montré son art, et m’a demandé de lui faire une exposition. À la fin de la discussion, il a haussé les épaules et a dit : « Oh, eh bien, je suis un artiste masculin blanc de plus de soixante ans », exprimant le sentiment d’être laissé pour compte, à cause des nouvelles politiques d’inclusion dans les institutions. Le lendemain matin, je lui ai écrit un email : « Et si je faisais une exposition avec ce titre ? » Il a répondu : « Bien sûr, je suis partant ! » Ensuite, j’ai développé l’idée un peu plus, avec d’autres noms. Le but était de faire une exposition avec des artistes masculins forts, pas pour les ridiculiser, mais pour dire une fois ce que c’était : une exposition avec uniquement des hommes. En même temps, chatouiller la question de l’inclusion dont on parle tant. Certains hommes ont ri, et étaient contents d’être inclus ; d’autres non, parce qu’ils pensaient que ce serait un groupe d’hommes triste et pathétique. Intéressant, parce que si on m’invite à une exposition exclusivement féminine comme « Fun Feminism » (Kunstmuseum Bâle, 2023) ou « The Wall of She » (Galerie Sofie van de Velde, Anvers, 2026)… alors je suis contente d’être incluse. Pour les hommes, c’est nouveau, ils doivent s’y habituer, et ça peut être inconfortable. Parce qu’ils n’avaient jamais pensé que l’art qu’ils font, peut-être, était fait avec un tempérament masculin.

À travers l’exposition à New York, vous renvoyez plusieurs artistes vers des objets ou des attitudes codés comme masculins : Jan Hendrikse et la caisse de bière, Jason Rhoades et les voitures, Roman Signer et l’explosion ou l’effondrement, Gregory Green et le pistolet, Joep van Lieshout et le whisky. En parcourant l’exposition, je me suis demandé à propos de l’absence d’artistes queers ou non-binaires. Y avez-vous pensé en développant l’exposition ?

Je n’y avais pas pensé au début, mais j’ai remarqué plus tard que les noms d’hommes que j’avais choisi de mentionner dans cette exposition étaient surtout des hétérosexuels.

Plus largement, dans cet usage d’objets culturellement marqués comme masculins, j’ai parfois senti le fantôme d’artistes comme Sarah Lucas, Cady Noland, Sylvie Fleury ou Isa Genzken, qui ont aussi travaillé avec des signes, des matériaux et des attitudes associés à la masculinité. Ces présences étaient-elles à l’esprit pendant que vous développiez l’exposition ?

Non. Pourquoi aurais-je dû ? Quelqu’un a mentionné que mon art était peut-être même assez masculin dans sa conceptualité sérielle. Dans ce cas, je penserais plutôt à Valie Export, Elke Krystufek, les Guerilla Girls, Lisa Yuskavage, Ferdi Tajiri — ce sont quelques-unes des femmes sur mon chemin qui m’ont inspirée.

Dans ‘Herzchen’, vous renvoyez au titre d’une exposition qui a eu lieu pendant deux jours en Angleterre — ‘Dies alles Herzchen wird einmal dir gehören’ (« Tout cela, mon cher, t’appartiendra un jour »). D’une certaine manière, cette phrase semble résonner avec ce que vous faites dans cette exposition : non seulement en raison de la portée conceptuelle de votre travail, mais aussi parce que vous vous appropriez ce titre, cette exposition et les artistes de ce mouvement comme ready-mades. N’est-ce pas ?

Oui, j’ai inclus quelques titres d’exposition qui m’attiraient comme étant intéressants à mentionner dans cette exposition. Dans l’œuvre Herzchen, j’utilise un texte que des artistes masculins avaient choisi en 1967 comme titre de leur exposition. Ce titre amusant montrait la dépendance féminine envers les hommes, et cela pour une exposition qui marquait le début de l’art conceptuel. Ça donne à penser sur la non-émancipation de ces hommes à l’époque.

Dans ‘Letter to Leontine’, vous défendez la visibilité du genre dans l’art. En lisant ce texte aujourd’hui, on a l’étrange sentiment que oui, des progrès ont été faits — et pourtant il semble aussi absurde de devoir encore être reconnaissant pour des « progrès » dans ce domaine. Comment regardez-vous cette lettre aujourd’hui, plus de trente ans après ?

La lettre que j’avais écrite alors, en 1994, à une conservatrice réticente, est encadrée et visible dans l’exposition. Pendant que je concevais l’exposition masculine, par hasard, j’ai retrouvé cette lettre, un vieux fax presque effacé. Nous l’avons traduite et encadrée pour l’exposition. Elle semblait pertinente. Dans la lettre, je motivais pourquoi je voulais faire une exposition sur le masculin dans l’art, parce que depuis le début des années 90, j’avais été confrontée au fait que mon travail était étiqueté féminin. Mais à l’époque, personne ne semblait être intéressé. Toute discussion sur la question du genre était coupée par la remarque sans issue que seule la qualité comptait. Et maintenant, je travaille avec une galeriste qui a tenu à choisir ce projet parmi mes diverses propositions pour une exposition dans sa galerie. Et la bonne partie, c’est que maintenant, 32 ans plus tard, les remarques sans issue sur le genre dans l’art ont été remplacées par des mots plus sophistiqués sur le male gaze et les biais inconscients.

Dans ce texte, vous écriviez : « ce que je continue de me dire, c’est que si la différence des sexes est visible dans la vie, alors elle doit pouvoir, et doit être autorisée à l’être, dans l’art. » À l’époque, cette position était balayée par l’argument que la qualité, non le genre, qui devait être le premier critère. Pourtant, vous étiez confrontée à des mouvements artistiques, à des expositions de musée et à des systèmes de galerie qui étaient écrasants de masculinité, alors que c’était vous qu’on marquait comme différente. Avez-vous le sentiment que ce mécanisme — traiter la masculinité comme neutre et la différence comme féminine — persiste aujourd’hui, même de manières plus sophistiquées ?

Oui, c’est encore là, jusqu’à ce que les gens puissent basculer et regarder l’art à sujet féminin comme tout aussi valable que l’art masculin.

Vous évoquez aussi le travail de Maria van Elk des années 1960 — des applications textiles, le sujet de la mère et de l’enfant, et le ‘Soft Living Room‘, décrit comme « une sculpture souple, un paysage en noir et blanc pour le silence et la contemplation ». Il est frappant de voir avec quelle facilité un tel travail pouvait être écarté comme trop doux, trop féminin, trop domestique, ou simplement trop dans l’air du temps. Vous intéressez-vous non seulement des artistes femmes négligées, mais aussi des vocabulaires esthétiques entiers historiquement disqualifiés par ces associations ?

Eh bien, évidemment, je suis attirée par les artistes femmes qui, comme moi, travaillent avec des tabous visuels similaires. Comme le leur, mon vocabulaire esthétique du début des années 90 — optimisme coloré et douceur — a souvent été disqualifié, bien qu’en même temps on m’ait demandé partout de faire mes peintures murales. N’être pas pris au sérieux, c’était aussi le lot des artistes travaillant avec des matériaux comme le textile, ou des sujets comme la maternité, la grossesse et le soin. L’art de Maria van Elk dans les années 60 était probablement plus radical que celui de son frère, mais il n’y avait personne pour la défendre. La part révolutionnaire de l’introduction de ces sujets, je la vois comme une avant-garde féministe qui a été négligée et est restée inaperçue, ignorée et moquée par un monde de l’art dominé par des critiques masculins, des directeurs de musée masculins et des collectionneurs masculins, avec leur regard genré, inconsciemment, sur le monde.

L’un des textes de l’exposition est basé sur un article de presse concernant le mépris envers les femmes dans les fichiers Epstein, avec cette phrase : « L’ensemble du mouvement #MeToo n’a apporté que du malheur. Ces féministes, ces folles fanatiques de #MeToo, ne veulent que punir les hommes et les détruire en public. » Vouliez-vous montrer avec quelle rapidité la misogynie se réinstalle dès qu’une parole féminine devient visible ou efficace ?

J’ai été frappée, en lisant la façon dont les femmes étaient décrites dans ces fichiers. Alors, j’ai retourné la phrase avec un peu d’humour, et j’ai fait le dessin : « (me too) Je suis une folle fanatique de #MeToo, et je veux détruire les hommes en public (yeah) ». J’étais fière de voir le mouvement #MeToo émerger. Depuis les années 70, quand je faisais mes études d’art, le féminisme est entré dans ma pratique artistique sans que je le demande. Mes collègues masculins n’avaient pas à en faire le compte — ils faisaient leur art, avaient des épouses qui élevaient leurs enfants, et les aidaient souvent, en plus, dans leur carrière. Depuis lors, les femmes ont peu à peu progressé à tous les niveaux de la société. Si les hommes ont peur que les femmes les détruisent en public, ils oublient que #MeToo a été une nouvelle conquête des femmes, à laquelle elles pouvaient se défendre. Parce que par la loi et par les voies juridiques, elles ne le pouvaient pas. Et que le mouvement #MeToo est un mouvement d’émancipation contre les mauvais traitements des femmes par les hommes. Et comment ils se sont mal comportés. On connaît l’histoire. J’ai vu qu’après ce mouvement, la situation des femmes dans le monde de l’art s’est améliorée plus vite et mieux que dans les décennies précédentes.

Que pensez-vous du titre du compte Instagram ‘The Great Women Artists’, avec son slogan « Celebrating women artists », et du titre du livre de Katy Hessel, ‘The Story of Art without Men ?’ Voyez-vous ce type de renversement excluant comme un correctif nécessaire — ce qu’il nous faut encore traverser — ou craignez-vous qu’il risque de reproduire la logique même qu’il cherche à défaire ?

Je ne le crains pas, mais certains de mes collègues masculins, j’ai remarqué, s’inquiètent de leur exclusion, alors que les femmes ne font que réclamer leur part égale dans le monde de l’art. Les artistes masculins n’ont pas l’habitude de céder cet espace, et je comprends que ça doit être inconfortable, mais honnêtement, ce n’est que si les femmes dominent les collections de musée, les emplois dans les musées, etc., que les hommes pourront commencer à s’inquiéter. Mais c’est l’inverse qui se passe : il y a une réaction rétrograde mondiale, pensez aux trad wives et à la manosphère, aux autocrates masculins dans la politique mondiale. Certains pensent que cela arrive en réponse au mouvement féministe des dernières décennies, et plus récemment au woke-ism. Mais il ne faut pas blâmer la victime ici. Par exemple, le groupe de punk américain Bikini Kill hurle (à cause de l’agression masculine dans le moshpit) : « All girls to the front! I’m not kidding. All boys, be cool for once in your lives. Go back, go back, go back. » Le moshpit sans les hommes blancs, on peut le voir comme une métaphore d’une société dans laquelle les hommes blancs laissent suffisamment d’espace aux groupes marginalisés.

Propos recueillis par Timothée Chaillou

Traduction T.C.

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INTERVIEW LILY VAN DER STOKKER – Male Art Exhibition, Great Show! – Kaufmann Repetto Gallery New York – 29 May, 2026 – 28 August, 2026.

For over thirty-five years, Lily van der Stokker has seen her work confined to a category she never truly wanted: 
girly art . Flowers, pastel colors, curls, handwritten words, and decorative shapes have often been associated with a supposed feminine lightness, as if the « feminine » had to be particular, while art produced by men could continue to present itself simply as « art. » With Male Art Exhibition, Great Show!, the artist turns this logic on its head: if her work can be described as girly , then why not speak of boyish , masculine, or even frankly macho art? Her gesture is neither a settling of scores nor a new battle of the sexes. Rather, van der Stokker sets out to name what, until now, has claimed to be genderless. Her feminism, therefore, does not aim to replace one form of domination with another, but to imagine what she calls a collective liberation from patriarchal domination. Humor here becomes a critical method: not to soften the message, but to make it harder to evade. It is this way of shifting categories, of making visible what was supposedly neutral, and of transforming the cliché into critical material that runs through the interview that follows.

Inferno: For more than thirty-five years, your work has often been described as « girly art. » You have said that you now want to turn that around: art made by men can also be seen as boyish, masculine, or even overtly macho. You have also said that you want to make men into a group, just as you yourself have so often been categorized under the label of « women’s art. » It feels like a long-standing idea that has only now found its full form. Could you speak about its origins, and about how it developed into this exhibition?

Lily Van Der Stokker: It seems to be so logic now: if my work has been labelled feminine and girly, then there must also be boyish and masculine art. So, my idea is: frame, label and name it. In 2023 I participated in an exhibition about cute art in The Stedelijk Musuem in Schiedam, The Netherlands, tiled:  “I hit you with a Flower”. In newspaper articles Pipilotti Rist, Kinke Kooi and me, were called the pioneers of girly art. I was not so happy with that, because in 35 years I know that this label has never been a compliment, and unfortunately, I assume it will never become a proud name. I know that anything girly, curly, flowery, decorative, sweet is still looked at as not grown up and superficial. And in my view this is still a taboo, not with me, but with you the viewer. The past years I kept being invited for female subject matter exhibitions so that was another reason to turn at the male artist, because they seem so worried about being excluded, but are they?

With this exhibition, you also recall how many all-male exhibitions were historically presented as if they were simply neutral, universal, or just « art » without qualification. Men made what was taken to be « real art », while work by women was marked as particular or gendered. In « Another Male Exhibition (opens at Kaufmann Repetto…) », are you addressing both the impunity of historical all-male exhibitions and the fiction of their neutrality?

The so-called neutrality of male art has not been discussed that much, but all male dominated exhibitions as we have seen so many, and art movements created by men, that have shaped our art history, were never discussed for their possible male temperament. Think about Concept art, Minimalism, Kubism, Abstract Expressionism, Hard Edge Painting, the Mulheimer Freiheit, Art Brut etc. So, I turned it around, and made a drawing about an all-male exhibition on view this summer at the Zwirner Gallery, showing the well-known guys: Dan Flavin, Donald Judd, John Mc Cracken, Robert Ryman, Fred Sandback. I seriously LOVE all these artists. And I described their work in the drawing as: … sublime divine minimalism… and continued in the drawing describing them as …‘cute’ …. Because aren’t they cute being such much-admired artists? For me, I wanted to create a sense of relief and step away from this typical genius god like art. Look how men get all excited about being important and powerful, being leaders in the world, making wars, playing football, I consider that cute too.

Today, institutions often insist that the goal is to look at quality rather than gender. But that argument has also long been used to dismiss structural inequality, as if « quality » had ever been judged from a neutral position. Today, institutions often present gender-conscious programming as a corrective, but also sometimes as a new orthodoxy. Do you see the current emphasis on inclusivity as a real structural transformation, or also as a temporary institutional language – one that risks becoming formulaic before equality has been achieved?

This also makes me think of exhibitions devoted to non-Western art scenes, where artists are still often framed as discoveries or as culturally specific cases rather than simply as artists. Categories certainly create legibility, but they also limit aesthetic experience…

The new movements in art of this moment, of these past decades, are feminism and more recently Inclusivity. What comes first is difference, otherness and change. Then a new aesthetic experience will slowly develop or is only arriving after acceptance of these new groups of artists with their different approaches and new visions. I think after #me too, things in the world have changed. I seriously think that we will not see another dominant male painting movement appear, as we were so used to see before.

“Modernist painting by men has stopped ?” , says one of my black and white text paintings in the Male Art Show. The recent attention for minorities and gender has changed my view at things. I look at all art now with my new gendered eyes, and I cannot feel the same way anymore about my male heroes from the past.  So, I made another text painting: “My (male) heroes were they really that important?”. And were they ?

You have also said that in the future you would like to push this even further with harsher texts. Why is now not yet the right moment? Would you like to become even more ironic – or even cynical, in the noblest sense of the word?

With this exhibition I was trying not to attack, to be bitter or resentful. The word ‘relief’ was my guidance, relief for men and women from the patriarchal dominance, and looking at it with a lighter mood. While working on the show it seemed to me that I could have been more aggressive. Although I doubt if that would have worked. Humor is usually a good tool to have a difficult subject matter come across. Also, what I noticed in all discussions preceding the show, that men usually think that feminists are against men, which is not true, at least not for me, so I wanted to make that clear in the show. I truly love (most of) the macho artists in my Machismo Top Ten, or Jason Rhoades with his macho car art, but I label it for being manly. Most of my artist friends are men, and they describe their selves often as male-feminists, being very aware, and helping me making my show. I constantly discussed with them what I was doing and writing.

In ‘Coming up: White male artists over 60 Exhibition at StokkerJaeger’, you said that you invited each of the artists you named to comment on the work and to give permission for the use of their names. You also said that some of these conversations became unexpectedly emotional, especially around the recent exclusion of male artists.

Last year I had the idea to make a male exhibition in my new Project Space StokkerJaeger in Amsterdam. This is before I decided to design the Male Art Show in  New York. When I was sitting one afternoon in my gallery/project space an artist came in, showed me his art, and asked me to give him a show. At the end of the discussion, he shrugged his shoulders and said ”Oh, well, I am a white male artist over sixty” , expressing the feeling of being left out, through the new inclusivity policies in institutes. The next morning, I wrote him an email saying  “How about if I make a show with that title? He said “Sure, I am in!”. Then I developed the idea a bit further with more names. The goal was to make a show with strong male artist, not to ridicule them, but to for once mention that is was a  show with only men. At the same time tickling the inclusivity issue that is so much being spoken of. Some of the men laughed, and liked to be included, some not, because they thought it would be a sad pathetic group of men. Interesting, because if I am invited for an all-female exhibition like “Fun Feminism” (Kunst museum Basel, 2023) or the “The Wall of She” (Gallery Sofie van der Velde,  Antwerp, 2026) …. then I am happy to be included. For men this is new and must get used to this and may feel uncomfortable. Because they never thought that the art they make, possibly was made with a male temperament.

Across the exhibition, you refer to several artists through objects or attitudes coded as masculine: Jan Hendrikse and the beer crate, Jason Rhoades and cars, Roman Signer and explosion or collapse, Gregory Green and the gun, Joep van Lieshout and whisky. Looking through the show, I found myself wondering about the absence of queer or non-binary artists. Was that something you thought about while developing the exhibition?

I didn’t think about it at first, but later noticed that my choice of male names mentioned in this show were mainly heterosexuals.

More broadly, in this use of objects culturally marked as masculine, I sometimes sensed the ghost of artists such as Sarah Lucas, Cady Noland, or Isa Genzken, who also worked with signs, materials, and attitudes associated with masculinity. Were those presences in your mind at all while developing the exhibition?

No. Why would I? Somebody mentioned that my art even is possibly quite male in its serial conceptuality. Then I would rather think of Valie Export, Elke Krystufek, the Gorilla Girls, Lisa Yuskavage, Ferdi Tajiri, these are some of the women on my path that have inspired me.

In ‘Herzchen’, you refer to the title of a two-day exhibition in England – ‘Dies alles Herzchen wird einmal dir gehoren’ (« All this, my dear, will one day belong to you »). In a way, that phrase seems to resonate with what you do in this exhibition: not only because of the conceptual reach of your work, but also because you appropriate that title, that exhibition and, the artists of that movement as ready-mades. Don’t you think?

Yes, I included some exhibition titles that were appealing to me as interesting to mention in this show. In the work Herzchen I use a text that some male artists in 1967 chose as title of their exhibition. This funny title demonstrated female dependency from men, and thís for an exhibition that was marking the beginning of conceptual art.

That makes you think about how unemancipated those men were in those days.

In « Letter to Leontine », you defend the visibility of gender in art. Reading that text today, one has the strange feeling that yes, progress has been made – and yet it also seems absurd that one should still have to be grateful for « progress » in this area at all. How do you look back on that letter now, more than thirty years later?

The letter I wrote then to a reluctant curator in 1994 is framed and visible in the exhibition. While designing the male show, by accident I happened to find this letter, an old fax almost faded. We translated and framed it for the show. It seemed relevant.

In the letter I motivated why I wanted to make an exhibition about  the male and masculine in art, because from the early nineties I had been confronted with my work being labeled feminine. But then nobody seemed to be interested. Every discussion about the gender issue was being cut off with the dead-end remark that only quality mattered. And now I work with a gallerist that was eager to choose this project from my various proposals for a show in her gallery. And the good part is that now 32 years later the dead-end remarks about gender in art have been replaced by more sophisticated words about the male gaze and subconscious bias.

In that text, you wrote: « what I keep thinking is if the difference in the sexes is visible in life, then this must also be able to, and be allowed to be visible in art. » At the time, this position was often overridden by the claim that quality, not gender, should be the first criterion. Yet you were confronting art movements, museum exhibitions, and gallery systems that were overwhelmingly male, while you were the one marked as different. Do you feel that this mechanism – treating masculinity as neutral and difference as feminine – still persists today, even if in more sophisticated ways?

Yes, it is still there, until people can make the switch and look at art with more female subject matter as just as valuable as male art.

You also refer to Maria van Elk’s work from the 1960s – textile applications, the subject of mother and child, and the Soft Living Room, described as « a soft sculpture, a landscape in black and white for silence and contemplation. » It is striking how easily such work could be dismissed as too soft, too feminine, too domestic, or simply too much of its time. Are you interested in recovering not only neglected women artists, but also entire aesthetic vocabularies that were historically disqualified through those associations?

Well, of course I am attracted to women artists who, like me, work with similar visual taboos. Like theirs, my aesthetic vocabulary from the early nineties, colorful optimism and sweetness, has often been disqualified, although, at the same time, I was asked everywhere to make my wall paintings. Not being taken seriously were also artists working with materials like textile, or subjects like motherhood, childbearing and healthcare. The art of Maria van Elk in the 60s was probably more radical than that of her brother, but there was nobody to defend her. The revolutionary part of introducing these subject matters I see as a feministic avant-garde that has been overlooked and stayed unnoticed, ignored and ridiculed by an artworld  dominated by male writers, male museum directors and male collectors with their unconsciously gendered look at the world.

One of the texts in the exhibition is based on a newspaper article about contempt for women in the Epstein files, including the line: « The entire #MeToo movement has brought nothing but misery. These feminists, these me-too crazy fanatics, only want to punish men and destroy them in public. » Did you want to show how quickly misogyny reasserts itself whenever a feminine speech becomes visible or effective?

I was struck when I read how women were described in these files. So, I turned the sentence around with some humor and made the drawing, “(me too) I am a MeToo crazy fanatic, and want to destroy men in public (yeah)”. I was proud to see the #MeToo movement emerge. Since the seventies when I studied art, feminism came into my artistic practice without me asking for it. My male colleagues didn’t have to deal with it, they made their art, had wives that brought up their kids, and often helped them on the side with their careers. Since that time women slowly have been making progress in all levels of society. If men are afraid that women destroy them in public, they forget #metoo was a new accomplishment of women with which they could defend their selves. Because by law and legal action they couldn’t. And that the #metoo movement is an emancipation movement against the mistreatments of women by men. And misbehaved they have. We know the stories. I have seen that after this movement the situation for women in the artworld has improved faster and better than in the decades before.

What do you think of the title of the Instagram account The Great Women Artists, with its tagline « Celebrating women artists » and the Katy Hessel’s book title « The Story of Art without Men »? Do you see that kind of exclusionary reversal as a necessary corrective – something we still need to pass through – or are you wary that it risks reproducing the very logic it seeks to undo?

I am not wary, but some of my male colleagues I have noticed are worried about their exclusion, while women merely demand their equal share in the artworld. Male artists are not used to giving up that space, and I understand this must feel uncomfortable but honestly only if women dominate museum collections, jobs in museums, etc. then men can start worrying.  But the opposite is happening, there is a worldwide backlash, think of the trad wives and the manosphere, male autocrats in world politics. Some think this is happening as a response to the feminist movement of the past decades, and more recently woke-ism. But we should not blame the victim here. Women should keep demanding their space.

For example, the American punk band Bikini Kill is yelling (because of the male aggression in the moshpit): “All girls to the front! I’m not kidding. All boys, be cool for once in your lives. Go back, go back, go back.” The moshpit  without the white males you could see as a metaphor for a society in which white males give sufficient space for marginalized groups.

Interview by Timothée Chaillou

Translation T.C.

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Images: LILY VAN DER STOKKER Male Art Exhibition, Great Show! Exhibition views at Kaufmann Repetto Gallery New York, 2026 – All works acrylic on wall and acrylic on canvas, 2026 – Copyright the artist – Courtesy Kaufmann Repetto New York